Art nouveau (yeni sanat) kelimesini duyduğumuzda, çoğumuz Çek tasarımcı Alphonse Mucha’nın Paris’te ürettiği tablo ve posterlerde ya da Louis Comfort Tiffany’nin firması tarafından yapılan renkli kurşunlu cam masa lambalarında güzel rüya gibi bakireleri ve botanik süslemeleri hayal ederiz. . Ancak 1800’lerin sonu ve 1900’lerin başındaki tasarım dünyasına daha yakından bakarsak, bu ikonik örneklerin sadece buzdağının görünen kısmı olduğu kısa sürede anlaşılır. Yüzyılın dönüşü, yeni bir uluslararası sanat ve tasarım hareketinin ortaya çıktığı rakipsiz bir yaratıcılık dönemiydi – hepsi birbirini etkileyen birçok konu, ses, stil ve fikrin birleşimi.
Sanat tarihi hakkında daha fazla şey öğrenmek istiyor ama nereden başlayacağınızdan emin değil misiniz? listesini çıkardık en iyi sanat tarihi ve takdir kursları ve çevrimiçi dersler.
Organik Bir Evrim
Glasgow Sanat Okulu’nda Mackintosh Araştırma Görevlisi Dr Robyne Calvert, “20. yüzyılın başında, insanların bir tür yeni ifade aramaya başladığı kültürel bir an vardı” diyor. ‘Art nouveau’ya 1870’lerin sonlarından itibaren Fransız ve Belçikalı sanat dergilerinde atıfta bulunulmasına rağmen, bu terim Alman sanat tüccarı Siegfried Bing’in Paris’te Maison de l’Art Nouveau galerisini açtığı 1895 yılına kadar popüler değildi.’ Art nouveau akımı, 1900’de Paris’te açılan ve bu modern, heyecan verici tarzda tablolar, heykeller, seramikler ve mimarinin yer aldığı çığır açan serginin ardından hız kazandı. Sergi, kıvrımlı, bronz figürlerle göz kamaştıran bir stantta sergilediği karmaşık, güzel işlenmiş parçalarıyla kalabalığın gözlerini kamaştıran usta kuyumcu René Lalique için bir dönüm noktası oldu. Robyne, “Art nouveau birdenbire ortaya çıkmadı,” diye açıklıyor. Britanya’da sanatçılar, mimarlar ve tasarımcılar, Pre-Rafaelizm ve Estetikçilik gibi önceki akımları arıyorlardı. Tasarım için temel olarak organik formları kullanmak, John Ruskin ve William Morris gibi isimlerden ilham alarak Arts and Crafts hareketinden ortaya çıktı. The Grammar of Ornament: A Visual Reference of Form and Color in Architecture and the Dekoratif Sanatlar (1856’da Owen Jones tarafından yayınlandı) adlı bir Viktorya dönemi kaynak kitabı, o sıralarda da tasarım sahnesinde dalgalar yaratıyordu. Robyne, “Orta Doğu ülkeleri, Japonya, Çin ve Fas’tan gelen doğal temalara bakarak dünyanın her yerinden süslemeler için bir desen rehberiydi” diyor. ‘Art nouveau çağına yaklaşırken, birçok tasarımcı buna yanıt verdi.’
Doğanın Evrensel Temyizi
Art nouveau’nun yorumları tasarımcıdan tasarımcıya ve ülkeden ülkeye biraz farklılık gösterse de temel felsefe herkes için aynıydı: ilham kaynağı doğaydı. Sonuç olarak, art nouveau ‘görünümü’ tipik olarak kıvrımlı çizgiler, botanik formlara dayalı akıcı organik şekiller, tavus kuşu mavisi, toprak kahverengisi veya adaçayı yeşili gibi doğal renkler, nilüferler, yusufçuklar gibi dekoratif forumlar ve faunalar içeriyordu. ve kuşlar – ve süslü ‘kamçı’ eğrileri. Bu zamanda tasarımcılar cesurdu ve çoğu zaman yeni bir çığır açtı. Örneğin, seramikçi-eczacı Ernest Bussière, vazolarında yeni dokular ve sırlar yaratmak için kimyasallarla deneyler yaptı. Grafikler, seramikler, heykeller, binalar, metal eşyalar ve mobilya tasarımlarındaki şekiller organik olma eğilimindeyken, aynı zamanda çok stilize edildi.
Art nouveau hakkında ilginç olan şey, diğer ülkelerin ona farklı isimler vermesi, ancak hepsinin aynı hareketin kolları olması.
‘Almanlar buna Jugendstil (Genç Tarzı), Avusturyalılar buna Sezessionstil, çünkü Viyana Secession sanat hareketinin sanatçıları tarafından popülerleştirildi (1897’de kuruldu ve Gustav Klimt tarafından yönetildi). İtalya’da, olarak anılırdı Stile Özgürlük.’ Bazıları bunun İngiliz alışveriş mağazası Liberty of London’dan esinlenildiğini öne sürerken, Robyne de dahil olmak üzere diğerleri, İtalyanca terimin muhtemelen özgürlükle daha fazla ilgisi olduğunu düşünüyor. Bu ifadenin kaynağı ne olursa olsun, Arthur Lasenby Liberty’nin mağazasının, nostaljik Cymric (Celtic Revival) dahil olmak üzere öncü bir dizi metal eşya parçası tasarlamak için Archibald Knox ve Jessie M King gibi kişileri kullanan art nouveau tasarımının önemli bir şampiyonu olduğuna şüphe yok. tasarımlar. Robyne, “Bu dönemde pek çok ülke, romantikleştirilmiş geçmişlerinden faydalanmak için arayış içindeydi” diyor. Liberty’nin birçok büyük şehirde bağlantıları vardı, bu yüzden İngilizler Art Nouveau’yu “alıyorlar” – Sanat ve El Sanatları hareketinden büyük ölçüde etkilenen ve onunla örtüşen – dünya çapında yayıldı. Liberty’nin ürünleri, aşağıdakiler gibi etkili yayınlarda hakkında yazıldı: Stüdyo dergi ve Der Modern Stil ve İsveç’ten Viyana’ya müze küratörleri tarafından satın alındı. Liberty London’ın kurum içi Arşivcisi Anna Buruma, “Liberty’deki kumaşlar, art nouveau’ya özgü akıcı botanik formları içeriyordu, ancak kıtasal tasarımlardan biraz daha sağlam görünüyorlar ve güçlü Sanat ve El Sanatları ve Japon etkilerine sahipler” diyor.
İskoç Liderler
Robyne, “Glasgow, art nouveau döneminde tasarımın gelişimi için özellikle önemliydi” diyor. 1900’de Charles Rennie Mackintosh, karısı Margaret Macdonald Mackintosh ve Glasgow Sanat Okulu’ndan diğerleri Viyana’daki sekizinci Secession sergisinde yer aldılar. Mackintosh, Ayrılıkçıları etkiledi.’ Birkaç yıl sonra, 1902’de Mackintosh, Torino’daki Uluslararası Modern Dekoratif Sanat Sergisinde bir ‘İskoç Bölümü’nde sergilendi ve daha da büyük bir izleyici kitlesine ulaştı. Robyne, “Uluslararası sergiler bu dönemde inanılmaz derecede önemliydi” diye açıklıyor. ‘Onlar, endüstride, tasarım ve mimaride, gidip yeni olanı görebileceğiniz yerlerdi. Sergilerin ardından uluslararası sanat dergilerinde ve süreli yayınlarda yeni tasarımlar yazıldı, dolayısıyla erişim çok büyük oldu.’ Çoğu art nouveau sanatçısı ve mimarının akıcı, süslü tasarımlarının aksine, Mackintosh’un çalışmaları daha organik motiflerin yanı sıra cesur, geometrik şekiller ve temel formlar içeriyordu. Yenilikçi mobilyaları, vitrayları, mimarisi ve iç dekorasyon tasarımları Mackintosh’u eşsiz bir konuma yükseltti. ‘Birçok yönden, zamanının ötesindeydi. Robyne, çalışmalarının bir kısmı çok daha sonraki art deco stiline benziyor ”diyor. ‘Örneğin, Northampton’daki 78 Derngate’deki cesur, geometrik, siyah-sarı iç şeması.’ Birinci Dünya Savaşı patlak verdiğinde, art nouveau hızla soldu. Bu son derece dekoratif, kutlama tarzı, birdenbire uluslararası ruh haline tamamen ayak uyduramadı. Robyne, “Art nouveau’nun bir canlılığı var” diyor. ‘Savaş çok büyük ve korkunçtu ve her türlü yaratıcı veya sanatsal hareket üzerinde muazzam bir etkisi oldu – özellikle de bir yaşam kutlaması olan. İnsanlar aşırı pozitif hissetmiyorlardı, bu yüzden böyle bir anda herhangi bir şeyin gelişmesi zor. Ayrıca, Birinci Dünya Savaşı sırasında kaynaklar kıttı. Kimse her şeyi yaldızla dolaşmayacaktı.’
Nouveau Antikalar
Bugün, art nouveau antika pazarı canlı ve iyi durumda. Morgan Strickland Dekoratif Sanatlar’dan Bayi Gavin Morgan, çekiciliğin bir kısmının art nouveau parantez içindeki çok çeşitli stiller olduğunu söylüyor: “Avusturya Secession ve Mackintosh’un kısıtlanmış geometrisinden tam gelişmiş tasarımlara kadar herkes için bir şeyler var. -en iyi Fransız parçaları,” diye açıklıyor. Art nouveau parçalar da çok geniş bir fiyat aralığına sahiptir. Gavin, “Alman firması WMF’nin kalaylı veya gümüş plakalı metal eşya figürleri, oldukça fazla sayıda üretildikleri için yüksek oranda tahsil edilebilirler, bu nedenle aşırı pahalı değiller,” diye açıklıyor Gavin. Ölçeğin diğer ucunda, Hector Guimard’ın (Paris Metro istasyonu girişlerinin kıvrımlı, stilize demir işçiliğini tasarlayan) veya Tiffany lambalarının ürünleri büyük meblağlar getirebilir. Gavin, “Tiffany lambalarıyla gökyüzü neredeyse sınırdır” diyor. ‘En ortalama lamba için 10.000 sterlini aşan bir fiyata bakıyorsunuz ve nadir örnekler yüzbinlerce olabilir.’ Şimdiye kadar satılan en değerli Tiffany lambası, 1998’de Christie’s müzayedesinde 2,8 milyon dolara ulaştı. Peki, özünde, art nouveau’yu bu kadar kalıcı bir şekilde çekici yapan nedir? Gavin, “En iyi haliyle, art nouveau, orantı ve biçimin saf mükemmelliğidir” diyor. ‘Gerçekten bundan daha iyi olamazsın.’
Art nouveau’yu görmek için en iyi yerler
1
PARİS METRO, PARİS
Hector Guimard, 141 Paris Metro istasyonuna süslü girişler tasarladı. Yeşil demir işçiliği ve kıvrımlı bitki benzeri tasarımları kullanan öne çıkan özellikler arasında Porte Dauphine, Abbesses (resimde) ve Crimée istasyonları yer alıyor. ratp.fr/tr
2
GLASGOW SANAT OKULU, GLASGOW
Charles Rennie Mackintosh’un en büyük komisyonu olan bu bina iki aşamada (1899 ve 1909) inşa edildi ve Mackintosh’un erken ve olgun tasarım yeteneklerini yansıtıyor. Mimari Tarihçi Dr Jonathan Foyle, binayı ‘büyük bir okyanus gemisine’ benzetti. gsa.ac.uk
3
MUSÉE CARNAVALET, PARİS
Alphonse Mucha tarafından tasarlanan Georges Fouquet’nin (eski adıyla 6 Rue Royale) gösterişli kuyumcu dükkanının içini görmek için buraya gidin. Alphonse, “Doğa, onu sürekli inceliyorum, bir bitki, bir çiçek, telkinle dolu olmayan bir parça hayat yok” diye yazdı. carnavalet.paris.fr (NB müzesi 2019’a kadar kapalı)
4
VICTORIA VE ALBERT MÜZESİ, LONDRA
Alphonse Mucha’nın reklam afişlerinden Louis Majorelle ve Hector Guimard gibi zarif mobilyalara kadar burada keşfedilecek etkileyici bir art nouveau tasarım koleksiyonu var. vam.ac.uk
5
78 DERNGATE, KUZEYAMPTON
Mackintosh tarafından 1916’da müşterisi Northampton model mühendisi WJ Bassett-Lowke için tasarlanıp yeniden modellenen bu küçük teraslı evin vizyon sahibi bir sahibi vardı ve radikal bir dönüşüm geçirdi. 78derngate.org.uk
İlk Yorumu Siz Yapın